viernes, 27 de marzo de 2009

Hitchcock para principiantes: 7 obras maestras que no debes perderte

Hitchcock es una buena forma para empezar a adentrarse en el cine clásico. Su cine es fácil de ver, accesible a cualquier tipo de público y, sobre todo, buenísimo.

La filmografía de Alfred Hitchcock es extensísima y abarca los años que van desde 1925 a 1976. Esta larga carrera se puede dividir en varias etapas. La primera, la etapa muda, llegaría hasta 1929. Durante los 10 años siguientes siguió trabajando en Inglaterra hasta que su éxito y prestigió le permitieron dar el salto a Hollywood, donde trabajó hasta el fin de su carrera a excepción de una única película, la magnífica “Frenesí” (1972) que rodó en Londres con nacionalidad británica.

Durante esos años se convirtió en el cineasta más popular de su generación, construyendo una carrera llena de éxitos tanto de público como de crítica realizando varias obras maestras, películas esenciales en la historia del cine. Cada cual tendrá sus preferidas y yo aquí recomiendo las mías para los que quieran introducirse en el mundo de Hitchcock:

La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, 1943)

Es la sexta película que rodó en Estados Unidos y, según sus propias palabras, su preferida. La historia trascurre en Santa Rosa, un pueblecito de California en el que una jovencita espera ansiosa la visita de su encantador tío, un hombre seductor, elegante, misterioso… y asesino. Todo en la película es brillante, desde las interpretaciones (inquietante Joseph Cotten) hasta el creciente suspense que llega a su cota máxima en la escena final del tren (transporte muy frecuente en el cine de Hitchcock).

Encadenados (Notorious, 1946)

Paradigma del cine de espías en versión hitchcockniana protagonizada por dos de sus intérpretes preferidos: Cary Grant, en el papel de un agente de Inteligencia estadounidense, e Ingrid Bergman, la hija de un espía nazi condenado que a fin de lavar su imagen y enamorada del agente, accede a desenmascarar a Alexander Sebatian, cerebro del espionaje nazi. Se trata de una película sencillamente perfecta. Cada escena, cada diálogo, cada mirada y cada plano están repletos de tensión, inteligencia y maestría. Una película imprescindible.

La ventana indiscreta (Rear window, 1954)

Una de las películas más famosas de Hitchcock y toda una demostración de talento y dominio del lenguaje cinematográfico. No hay más que ver el arranque de la película, un travelling a través de una serie de objetos en el que, sin una sola palabra, se nos cuenta perfectamente las razones por las que el protagonista de la historia (un extraordinario James Stewart que interpreta a un fotógrafo que ha sufrido un accidente), se encuentra postrado en su apartamento con una pierna rota. El aburrimiento en un caluroso verano le llevará a espiar las ventanas de su vecindario hasta que cree haber descubierto un asesinato que está dispuesto a demostrar. Una de las películas más apasionantes de Alfred Hitchcock y su segunda colaboración con la bella y gélida Grace Kelly.

De entre los muertos (Vertigo, 1958)

Más conocida por su título original, Vertigo es casi con toda seguridad, la película más profunda, oscura y melancólica de Hitchcock. Un policía (de nuevo un extraordinario James Stewart) se ve obligado a retirarse por padecer vértigo. Decide entonces trabajar como detective privado y aceptar el caso de un antiguo compañero de estudios que le pide que vigile a su mujer, una bella y misteriosa mujer que está obsesionada con su pasado. Para mí, la mejor película de Hitchcock. Apasionante de principio a fin, negra como el carbón, hipnótica y desesperada, supone además una de las colaboraciones más brillantes entre el director y el compositor Bernard Herrmann. Asomarse al abismo de la locura, del paso del tiempo con el fin último de la muerte, el engaño maquiavélico y el amor imposible nunca fue tan fascinante como en esta película mil veces citada-homenajeada-plagiada. Una de las cotas más altas del Séptimo Arte.

Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959)

Al contrario que la anterior, esta película es la agilidad, el divertimento y el ritmo frenético convertidos en cine. Se trata de una especie de recapitulación de todas las películas de espías que Hitchcock había realizado hasta entonces, mejorada y con más medios de producción. “Con la muerte en los talones” es todo un espectáculo de acción, ingenio (atención a los rápidos e inteligentes diálogos), suspense, diversión y talento protagonizado con un carismático Cary Grant en el papel de un publicista que es confundido con un agente del gobierno llamado George Kaplan por una organización de espionaje. Nuestro protagonista se pasará toda la película huyendo de sus perseguidores, intentando aclarar el equívoco y salvar su vida a un ritmo frenético marcado por un montaje trepidante y la adictiva música de Bernard Herrmann. Una de las películas más divertidas y brillantes de su director.

Psicosis (Psycho, 1960)
Si no fuera porque estamos hartos de ver una y otra vez la escena de la ducha, nos daríamos cuenta del enorme impacto que debió producir en la época de su estreno esta película negra, macabra, desasosegante y genial. Toda una provocación trufada de violencia, complejos de Edipo, fetichismo, erotismo malsano, asesinatos y muerte en la que Hitchcock se atrevió a lo nunca visto hasta entonces: matar a la protagonista a los 45 minutos de película. Inolvidable banda sonora de Bernard Herrmann. "Psicosis" nació como una película pequeña, barata, rodada con un equipo reducido de televisión y terminó convirtiéndose en la película más taquillera de Hitchcock y en un auténtico icono del cine de terror de todos los tiempos.

Los Pájaros (The Birds, 1963)

Para muchos, la última obra maestra de Alfred Hitchcock. De nuevo, una apasionante película de terror centrada en los inexplicables ataques de pájaros que se producen en un pequeño pueblo llamado Bodega Bay. Tippi Hedren, representando a la eterna heroína hitchcockniana, rubia, bella, elegante y fría, sufre aquí todo tipo de desgracias hasta llegar a un desenlace tan polémico como inteligente. Una demostración más del enorme talento de Alfred Hitchcock y, curiosamente, una película en la que no se oye ni una sola nota de música.

Los maravillosos títulos de crédito de "Vertigo", diseñados por Saul Bass

martes, 24 de marzo de 2009

Un año sin Azcona

Hoy hace un año falleció Rafael Azcona, probablemente el guionista más importante de la historia del cine español. Trabajó con algunos de los cineastas más destacados de los últimos cincuenta años y consiguió algo muy difícil: ser un guionista con un estilo propio y reconocible, un guionista autor.

Su primera idea era dedicarse a escribir novelas pero a finales de los años 50 del pasado siglo el cineasta Marco Ferreri le contrató para adaptar al cine su propia novela “El pisito”. El resultado fue una de las películas más importantes de la década que narra en clave de comedia negra una historia de plena actualidad: las dificultades de una joven pareja para encontrar piso.

Con Ferreri trabajó en varias películas más pero sus mayores éxitos llegaron con su trabajo junto a Luís García Berlanga en películas como “Plácido”, “El verdugo”, “Tamaño natural”, “La escopeta nacional”, “La vaquilla”… Con estas películas realizó un exhaustivo y nada complaciente retrato de la España del franquismo y la transición.

Otras de sus películas más importantes son “El jardín de las delicias”, “Ana y los lobos”, “La prima Angélica”, “Ay, Carmela”, “El anacoreta”, “La corte de Faraón”, “El año de las luces”, “Belle Epoque”, “La niña de tus ojos”, “El bosque animado”, “La lengua de las mariposas” o “Los girasoles ciegos”, su último guión llevado a la pantalla. En total, casi cien guiones convertidos en películas, sin contar los que fueron censurados por el franquismo.

Trabajó con Carlos Saura, Bigas Luna, Fernando Trueba, José Luís García Sánchez, Pedro Olea… En España, Italia, Francia...

Dotado de un particularísimo humor y un negro pesimismo, Rafael Azcona ha quedado como uno de los nombres esenciales del cine español, aunque sólo sea porque creo un reconocible estilo: el estilo Azcona.

miércoles, 18 de marzo de 2009

Battlestar Galactica llega a su fin

El próximo viernes 20 de marzo acaba en Estados Unidos "Battlestar Galactica", una de las series revelación en la televisión de los últimos años. Se trata de una nueva versión (remake, que dicen los modernos) de una mítica (y corta) serie realizada en 1978 y que en España se emitía por las tardes con el nombre de "Galáctica, estrella de combate". La recuerdo vagamente, especialmente a los dos protagonistas, Apollo y Starbuck (este último interpretado por Dirk Benedict, muy popular después por su papel de Templeton Peck en "El equipo A").

La cosa empezó siendo un telefilm cuyo éxito propició una serie de una sola temporada de 21 capítulos. Una vez terminada, se intentó revitalizar con otra serie de 10 capítulos con diferentes intérpretes emitida en 1980 cuyo fracaso la ha condenado al olvido.

En 2003, se emite un telefilm recuperando la historia y los principales personajes de la primera serie. El éxito de esta película realizada para televisión, emitida en dos capítulos de hora y media cada uno, fue sólo el comienzo de una serie que ha llegado a las cuatro temporadas, además de otro telefilm llamado "Razor" (2007). Este viernes se emite el último capítulo de la serie, aunque ya amenazan con la creación de una nueva serie llamada “Cáprica”, una especie de spin-off de “Battlestar Galáctica”.
La historia viene a ser la siguiente: En una galaxia lejana residen "las doce colonias" de seres humanos, una civilización que hace décadas creó unas máquinas llamadas cylons, cuya constante evolución les llevó a rebelarse contra sus creadores. Tras el conflicto, humanos y cylons llegaron a una tregua que 40 años después se ha roto con un devastador ataque de los cylons que les permite controlar "las doce colonias". Sólo 50.000 humanos consiguen escapar en una flota de naves capitaneada por la más antigua de ellas, de nombre “Galáctica”, capitaneada por Adama (interpretado por Edward James Olmos, el famoso teniente Castillo de "Corrupción en Miami") que se ve abocada a viajar por el espacio, huyendo de los cylon y buscando una tierra prometida que ni siquiera saben si existe.

Con un tono bastante más adulto que la serie original, "Battlestar Galactica" juega con el suspense, con las historias personales de los principales personajes y hasta se atreve con disquisiciones religiosas y filosóficas sin que esto haga que pierda el interés del espectador, intrigado por las luchas, internas y externas, que se desatan en la nave "Galactica", estandarte de la lucha por la supervivencia de los antiguos habitantes de las colonias. A ello se añaden las infiltraciones de los cylons, cuya evolución les permite adoptar la imagen externa de los humanos y pasar desapercibidos entre ellos.

No hace falta ser un fanático de la ciencia ficción para disfrutar de esta serie más que interesante.


martes, 10 de marzo de 2009

John Lennon y la reina de Inglaterra

A finales de 1963, Los Beatles era ya el grupo más importante de Inglaterra. La "beatlemanía" se había desatado y los cuatro de Liverpool actuaron el 4 de noviembre de 1963 en el Royal Variety de Londres ante un público tan selecto que incluso la reina de Inglaterra iba a estar presente. Esto despertó un cierto malestar entre algunos de los seguidores de The Beatles en la época de las actuaciones en "The cavern" que consideraban que el grupo se estaba aburguesando y olvidando sus comienzos al actuar ahora ante los ricos.

John Lennon se mostró especialmente molesto cuando Brian Epstein, representante del grupo y el auténtico quinto beatle, sugirió a la banda que debían hacer una reverencia especial a la reina durante la actuación y amenazó con hacer algún comentario en público al respecto.
Finalmente, la banda salió al escenario y, al presentar "Twist and shout", la última canción de la actuación, John Lennon se dirigió al público diciendo:

"For our last number, I'd like to ask your help. Would the people in the cheaper seats clap your hands. And the rest of you, if you'd just rattle your jewelry."

("Para el último tema, me gustaría pediros vuestra ayuda. La gente de los asientos más baratos puede aplaudir. El resto podríais hacer sonar vuestras joyas.")

La primera reacción del público fue reír, pero cuando la actuación se emitió en televisión seis días después ante una audiencia millonaria, algunos se sintieron ofendidos.

Fue la primera de las muchas declaraciones polémicas de John Lennon, un librepensador que siempre se negó a ser fagocitado por el sistema aún siendo una de las personas más influyentes en la cultura y la sociedad de los años 60. En 1965 dijo que los Beatles eran "más famosos que Jesucristo" y en 1969 devolvió a la reina de Inglaterra la Medalla de Miembro de la Orden del Imperio Británico que había recibido cuatro años acompañada de una carta dirigida a la propia reina en la que decía poco más o menos:

"Su Majestad, le devuelvo mi MBE (siglas por las que se conoce la insignia) como forma de protesta contra la implicación de Reino Unido en el asunto Nigeria-Biafra, contra nuestro apoyo a EE.UU. en Vietnam y contra la caída de 'Cold Turkey' en las listas de música (*). Con amor, John Lennon"

(*) La canción había sido censurada por sus referencias a las drogas.



lunes, 9 de marzo de 2009

El cine de Pedro Almodóvar

El próximo 18 de marzo se estrena la nueva película de Pedro Almodóvar, “Los abrazos rotos”, rodeada de la expectación habitual. No hay mucho que decir sobre Almodóvar que no se haya dicho ya. Su cine se ama o se odia. A mí en general me gusta, a veces muchísimo y otras veces, sobre todo en sus primeros trabajos, muy poco.

Ante todo creo que hay que agradecerle el riesgo y la personalidad única que imprime a sus películas. Puede gustar o no, pero ha conseguido crear un estilo único que –eso sí- ha bebido de aquí y de allá. Desde el cine underground estadounidense de los años 60 hasta los melodramas de Douglas Sirk. Desde John Waters hasta Iván Zulueta. Desde el sofisticado drama francés hasta la telenovela sudamericana. Desde la iconografía pop a la copla.

Para mí, uno de los grandes méritos de Almodóvar consiste en hacer tragar (y disfrutar) al espectador unas historias completamente increíbles y disparatadas, pero que en sus manos pueden llegar a emocionar, hacer reír o llorar.

Se podría decir que su primera etapa como director de largometrajes comprende sus 4 primeros títulos: “Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón”, “Laberinto de pasiones”, “Entre tinieblas” y “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”. Las dos primeras son auténticas gamberradas, reflejos de la llamada “movida madrileña”, que pueden hacer gracia o resultar insufribles. En “Entre tinieblas” intentó empezar a ponerse serio y creo que le salió una de sus peores películas. Todo lo contrario ocurre con “¿Qué he hecho yo…?”, la primera vez en que consigue el equilibrio entre la comedia y el drama, el discurso social y lo irreverente y desenfadado. Además, es la primera vez en la que empiezan a quedar claras algunas de las constantes de su cine: los retratos de personajes femeninos sufridores pero luchadores, los asesinatos domésticos, los personajes secundarios estrafalarios…

Tras esta primera etapa ofrece una de cal y otra de arena: primero la fallida “Matador”, de nuevo intentando ponerse serio con un thriller poco conseguido y después con la estupenda “La ley del deseo”, algo así como su “Arrebato” particular (también protagonizada por Eusebio Poncela). Con ella, se le abren las puertas en Francia y se consolida en España.

El paso siguiente es la conquista de Hollywood y Almodóvar lo consigue gracias a la magnífica “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, en la que se aleja de los barrios bajos y los personajes marginales para inspirarse en la comedia sofisticada norteamérica de los años 40 y 50.
Tras la ruptura Bernardo Bonezzi, su músico habitual, y Carmen Maura, la que había sido actriz fetiche y protagonista de casi todas sus películas, realiza “Átame”, polémica película en la que hace una especie de homenaje no confeso a “El coleccionista”. Después, Francia se rendirá definitivamente a sus pies gracias al melodrama “Tacones lejanos”, pintoresca historia en la que se unen los habituales ingredientes de su cine y demuestra una cada vez mayor sofisticación en la puesta en escena. Sin embargo, "Kika", si siguiente y muy publicitada película sería uno de sus trabajos más fallidos.

“La flor de mi secreto” es otro melodrama, aunque esta vez con buenas dosis de comedia. Es también la primera vez en que trabaja con Alberto Iglesias, quien se encargará a partir de entonces de componer la música de todas sus películas. Le sigue la fallida “Carne trémula”, primera y hasta el momento única adaptación de una obra ajena en su filmografía.

La consagración mundial definitiva se produce con “Todo sobre mi madre”, magnífico compendio de todas sus constantes temáticas y estéticas en una desgarradora historia en la que Almodóvar homenajea a su madre.

Con esta película arranca la que me parece mejor etapa de su carrera hasta ahora ya que inmediatamente dirige la que es para mí su obra maestra: “Hable con ella”, conmovedora historia de un amor imposible en la que alcanza niveles de auténtica perfección. Le sigue la controvertida “La mala educación”, película negra como el carbón no siempre bien entendida. Su último largometraje estrenado hasta el momento es otra de sus joyas, “Volver”, en la que se reconcilió con Carmen Maura y consagró por fin a Penélope Cruz en la industria de Hollywood.

Con el estreno de “Los abrazos rotos” arranca una temporada prometedora para el cine español, ya que este año estrenarán también algunos de los cineastas más exitosos de los últimos años, como Fernando Trueba, Alejandro Amenábar o Julio Medem.



Filmografía:
  • Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón (1980)
  • Laberinto de pasiones (1982)
  • Entre tinieblas (1983)
  • ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984)
  • Matador (1986)
  • Mujeres al borde un ataque de nervios (1988)
  • Átame (1990)
  • Tacones lejanos (1991)
  • Kika (1993)
  • La flor de mi secreto (1995)
  • Carne trémula (1997)
  • Todo sobre mi madre (1999)
  • Hable con ella (2002)
  • La mala educación (2004)
  • Volver (2006)
  • Los abrazos rotos (2009)

martes, 3 de marzo de 2009

Janis Joplin

Janis Joplin fue la primera estrella femenina blanca de la historia del rock. Nació en Port Arthur (Texas) el 19 de enero de 1943 en un entorno conservador y marcadamente racista en el que nunca se sintió integrada. Desde su época de estudios fue marginada al ser considerada "amiga de los negros".

A los 16 años comenzó a mostrar un gran interés por la música y en 1963 viajó a San Francisco, donde comenzó a cantar folk y blues en los bares y descubrió una incipiente cultura alternativa, libre y hippie en el que por fin se sentía integrada. Al mismo tiempo, comenzó a consumir drogas, lo que a la larga perjudicó seriamente su salud y provocó un regreso temporal a su ciudad natal. Parcialmente recuperada, volvió a San Francisco y en 1966 se unió a la banda Big Brother & the Holding Company.

Desde el principio, su intensa voz llamó la atención del público y el éxito comenzó a despegar. A finales de año graban su primer álbum, publicado al año siguiente.

La actuación de Big Brother & The Holding Company en el Festival de Monterrey de 1967 marcó un antes y un después en su carrera. El enorme impacto que causaron los dos conciertos que realizaron (registrado en la película que se rodó sobre el festival) lanzó al estrellato a Janis Joplin.



A partir de entonces, Joplin eclipsó en directo al resto del grupo, hasta el punto de empezar a ser considerado como su banda de acompañamiento. En 1968 publican "Cheap thrills", álbum que alcanzó el nº 1 en las listas de Estados Unidos. La tensión generada en el seno de la banda por el total protagonismo de Janis Joplin y el interés de su representante para que trabajara en solitario, hicieron que la cantante abandonara Big Brother & The Holding Company a finales de 1968 y montara su propia banda de acompañamiento, Kosmic Blues Band, con la que grabó el álbum "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!".



El disco, con un mayor peso del soul respecto al blues, no convenció a todos los seguidores de Big Brother aunque fue un nuevo éxito en su carrera y permitió en primavera realizar su única gira por Europa. Sin embargo, la vida personal de Janis Joplin comenzó a tambalearse de nuevo. Se enganchó a la heroína y bebía demasiado, lo que provocó algunos decepcionantes conciertos, como el del Festival de Woodstock de 1969.

A finales de año, Janis Joplin disuelve la Kosmic Blues Band dispuesta a dar un nuevo giro a su carrera y a su vida personal. En febrero de 1970 viaja a Brasil y deja la heroína y el alcohol. A su regreso a EEUU se reconcilió con Big Brother & The Holding Company, con los que actuó el 4 de abril en San Francisco, y montó una nueva banda, Full Tilt Boogie Band, con la que por fin se sintió plenamente a gusto. Comenzó una serie de conciertos y giras de gran éxito (sobre todo el Festival Express que le llevó a Canadá) pero, cuando en verano decidió volver a su ciudad natal convertida en una gran estrella, no fue bien recibida, lo que supuso un duro golpe para su frágil personalidad.



Cuando estaba a punto de finalizar la grabación de su nuevo álbum, murió el 4 de octubre de 1970 de una sobredosis de heroína. Su muerte causó una gran conmoción en la sociedad americana, entre otras cosas, porque se produjo a penas dos semanas después de la de Jimi Hendrix. A comienzos de 1971 se publicó "Pearl", su álbum póstumo y, paradójicamente, el mejor de su carrera para la mayoría de sus seguidores.

A lo largo de los años se han sucedido los homenajes, recuerdos y publicaciones de grabaciones en directo o descartes de sus álbumes de estudio que han contribuido a mantener el recuerdo y la admiración de una de las cantantes más brillantes e intensas de la historia de rock.

Discografía seleccionada:
  • Big Brother & The Holding Company (1967)
  • Cheap Thrills (1968)
  • I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! (1969)
  • Pearl (1971)
  • Joplin in Concert (1972)
  • Greatest Hits (1973)
  • Janis (1975)
  • Farewell Song (1983)
  • Janis (3 CDs, 1993)
  • Live at Winterland 1968 (1998)
  • Live at Woodstock 1969 (1999)