jueves, 29 de enero de 2009

XXIII Edición de los Premios Goya

El próximo domingo se celebra la XXIII Ceremonia de los Premios Goya, que no se llaman así, pero bueno, para entendernos. Al menos, parece que esta vez puede ser algo más entretenida que las de los últimos años, ya que la presentará Carmen Machi y parece que contará con la participación de Joaquín Reyes.

La lista de los candidatos de este año la podéis ver aquí.

No puedo decir que este año haya visto mucho cine español (unas 15 o así) y las películas que más me han gustado casi no están nominadas. “El rey de la montaña” y “Lo mejor de mí” no son candidatas a nada y “Los cronocrímenes” sólo a Mejor Dirección Novel. Al menos, películas como “Camino”, “Los girasoles ciegos”, “Los crímenes de Oxford”, “Ché, el argentino” o “Vicky Cristina Barcelona” me gustan, si bien las últimas están dirigidas por foráneos.

Me gusta especialmente que sea candidato a la Mejor Banda Sonora Original Bingen Mendizábal. Ya era hora, después de casi veinte años demostrando que es uno de los mejores compositores cinematográficos que tenemos. Ni una triste nominación había tenido hasta ahora, a pesar de ser el responsable de las excepcionales músicas de “La madre muerta”, “Éxtasis”, “Secretos del corazón”, “La hora de los valientes”, “El arte de morir”, “El viaje de Carol”, “La carta esférica” o “Frágil”. No he escuchado aún lo que ha compuesto para “El juego del ahorcado”, más que nada porque se estrena hoy, pero seguro que es bueno. De todos modos, no creo que gane.

En cuanto a las cuatro candidatas a la Mejor Película, me falta por ver “Sólo quiero caminar”. Las otras tres son “Camino”, “Los crímenes de Oxford” y “Los girasoles ciegos”. Creo que va a ganar “Camino” aunque me da igual una que otra.

Aquí un vídeo que recuerda algunas de las películas españolas del año pasado.



"Room in Rome", lo nuevo de Julio Medem

Esta semana ha comenzado el rodaje de "Room in Rome", la nueva película del director donostiarra Julio Medem. Se trata de un proyecto muy peculiar en su filmografía por varias razones: es la primera película de encargo que realiza y la primera rodada en inglés.

El pasado miércoles 21 de enero, Julio Medem, el productor Álvaro Longoria y las protagonistas Elena Anaya y Natasha Yarovenko presentaron en Madrid a los medios de comunicación el comienzo del rodaje.

Aquí está la rueda de prensa que se realizó y una pequeña entrevista al director:

Rueda de prensa - Primera Parte



Rueda de prensa - Segunda Parte



Rueda de prensa - Tercera Parte



Entrevista a Julio Medem

martes, 27 de enero de 2009

El cine de gangsters

Desde que en 1932 Howard Hawks dirigió la mítica “Scarface” (no fue la primera, pero sí marcó un antes y un después), el cine de gangsters ha sido una constante en Hollywood. Se trata de un subgénero que nunca ha pasado de moda y, por regla general, ha dado buenos dividendos en taquilla. Otros géneros, como el western, sufrieron importantes altibajos a partir de la llegada del llamado cine moderno, pero los tipos duros con sombrero y las mujeres fatales han seguido a lo largo de los últimos 35 años en plena forma.

Fueron los años 30 y 40 los que conformaron la época dorada de este tipo de cine, con películas inolvidables, una infinidad de títulos míticos en la historia del cine.

A la hora de hacer un breve y muy poco exhaustivo repaso por los títulos más emblemáticos de las últimas décadas es inevitable recordar la trilogía de “El Padrino” creada por Francis Ford Coppola y Mario Puzzo, autor de la novela y coescritor del guión junto al cineasta. Inolvidables Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro, Robert Duvall, James Caan, Diane Keaton… Las dos primeras partes (estrenadas en 1972 y 1974 respectivamente), de una perfección narrativa asombrosa, llevaron a Coppola a la gloria y al reconocimiento mundial de su extraordinario talento. Cuando a finales de los 80 su carrera se precipitaba imparable hacia la nadería, el cineasta italoamericano echó mano de los Corleone para revitalizar su impronta en Hollywood con una tercera parte (estrenada en 1990), si no tan lograda como las primeras, sí excelente, intensa y emocionante. A lo largo de su trayectoria cinematográfica, Coppola ha abordado una vez más el mundo de la mafia y los gangsters. Fue en 1984, con “Cotton Club”, un musical protagonizado por Richard Gere y Diane Lane ambientado en los años 30 y con mucho jazz.

Otro italoamericano, Brian De Palma, se ha acercado en más de una ocasión al cine gagsteril a lo largo de su dilatada carrera. La nueva versión de “Scarface” (“El precio del poder”, 1983), “Los intocables de Elliot Ness” (1987), “La dalia negra” (2006) y, sobre todo, la maravillosa “Atrapado por su pasado” (1993) dan buena cuenta de ello.

Martin Scorsese, otro italoamericano, también se ha dedicado a este subgénero en varias de sus películas: las, a mi juicio, sobrevaloradas “Malas calles” (1973) y “Gangsters de Nueva York” (2002) y las estupendas “Uno de los nuestros” (1990), “Casino” (1995) e “Infiltrados" (2006).

El polaco Roman Polanski, después de triunfar en el cine de terror con “La semilla del diablo” (1968), realizó un brillante homenaje al cine negro con “Chinatown” (1974) en el que intervenía como actor John Huston, uno de los cineastas esenciales en la historia del cine que contribuyó decisivamente al género con títulos míticos como “El halcón maltés” (1941), “Cayo largo” (1948) o “La jungla de asfalto” (1950) y que, casi en el ocaso de su vida, realizó la estupenda “El honor de los Prizzi” (1985).

Otros cineastas se han acercado de forma más esporádica al mundo de la mafia con películas realmente brillante. El italiano Sergio Leone, tras el extraordinario éxito de sus spaghetti westerns, rodó en Estados Unidos la maravillosa “Érase una vez en América” (1984), una obra maestra en la que, en tono melancólico, se habla sobre el paso del tiempo, la traición y las oportunidades perdidas.

El personalísimo David Lynch también ha tocado, si a caso de forma tangencial, el mundo de la mafia en magníficas películas como “Terciopelo azul” (1986) y la muy inquietante “Carretera perdida” (1997).

Los hermanos Coen son otros especialistas en el cine negro, como han demostrado a lo largo de su trayectoria en largometrajes como “Sangre fácil” (1983, sin la presencia de gangsters pero sí matones), la divertida “El gran Lebowski” y la extraordinaria “Muerte entre las flores” (1990).

En este repaso resulta esencial el nombre de Quentin Tarantino, todo un fenómeno mediático en los años 90 gracias a sus tres primeras y sorprendentes películas: “Reservoir dogs” (1992), “Pulp fiction” (1995) y “Jackie Brown” (1997).

No pueden faltar dos películas estupendas llamadas “Donnie Brasco” (1996), dirigida por Mike Newell y “L.A. Confidencial” (1997) de Curtis Hanson, que contienen lo mejor del género negro. Imposible olvidar la hermosa “Camino a la perdición” (2002) de Sam Mendes y “Sospechosos habituales” (1995), que consagró al hoy fagocitado por la industria Bryan Singer, así como “American Gangster” (2007), uno de los títulos más recientes del británico Ridley Scott.

En los últimos años, el canadiense David Cronenberg ha realizado dos excelentes películas de cine negro en su vertiente mafiosa llamadas “Una historia de violencia” (2005) y “Promesas del Este” (2007), ambas protagonizadas por Viggo Mortensen.

A todas ellas, habría que añadir “Los Soprano” (1999-2007), creada por David Chase, una de las mejores series jamás hechas para la televisión, quintaesencia del mundo de la mafia, plagada de humor, tensión y, sobre todo, un enorme talento delante y detrás de la cámara.

Por supuesto, se podrían mencionar muchas más, pero si te interesa este tipo de cine, aquí os he dejado unos cuantos títulos para disfrutar y un vídeo como pequeño recordatorio de algunas de ellas.


sábado, 24 de enero de 2009

Citas de cine (5)

"Si no hubiera sido tan rico, habría sido un buen hombre".
Charles Foster Kane (Orson Welles)
en "Ciudadano Kane" (Orson Welles, 1941)
...
"Los niños nunca deberían ir a la cama, cuando despiertan son un día más mayores".
Sir James Matthew Barrie (Johnny Depp)
en "Descubriendo Nunca Jamás" (Marc Foster, 2004)
...
"Lo mejor que te pueden decir en la vida no es 'Te quiero' sino 'Es benigno'".
Harry Block (Woody Allen)
en "Desmontando a Harry" (Woody Allen, 1997)

lunes, 19 de enero de 2009

The Who y Jimi Hendrix en Monterey

Entre finales de los años 60 y principios de los 70 del pasado siglo se celebraron algunos de los festivales de rock más recordados de la historia. Probablemente, los tres más célebres fueron los de Woodstock (1969), Isla de Wight (1970) y el de Monterey (1967).

En este último, el primer gran festival de rock de la historia, actuaban, entre otros muchos grupos de éxito, The Who y The Jimi Hendrix Experience. Ambas bandas, que se admiraban mutuamente y rivalizaban entre sí, no se ponían de acuerdo en quién debía actuar antes y quién después. A Pete Townsend le preocupaba que si Jimi Hendrix actuaba antes que The Who, el público quedaría tan impresionado con el primero que su banda pasaría desapercibida. Por su parte, Jimi Hendrix tenía el mismo temor. Sabía que Townsend tenía la costumbre de destrozar su guitarra al final de cada actuación de The Who, número que entusiasmaba al público, y temía que después de semejante espectáculo su presencia en el escenario no impresionaría al público.

Finalmente acordaron el orden de sus actuaciones echándolo a cara o cruz. El resultado fue que The Who actuaban primero y Jimi Hendrix después.

Conscientes de que actuar en Monterey en tales circunstancias obligaba a poner toda la carne en el asador, The Who realizaron un electrizante concierto al final del cual Pete Townsend destrozó su guitarra con especial virulencia tras una intensa “My generation”. Por si no fuera suficiente, la batería de Keith Moon terminó rodando por el escenario ante el estupor del personal responsable de seguridad que apresuradamente subió al escenario a fin de salvar el poco equipo que aún quedaba indemne.



Como estaba acordado, tras la actuación de The Who, The Jimi Hendrix Experience apareció sobre el escenario y realizó otro memorable concierto. Hendrix, que aún no era muy popular en Estados Unidos, desplegó todo su potencial con la guitarra, tocando con los dientes y con el instrumento a su espalda. Durante la interpretación de "Wild thing", y a fin de no ser menos que Townsend y su banda, Hendrix llevó el espectáculo un poco más allá y acabó destrozando su guitarra no sin antes prenderla fuego, dejando para la historia una de las imágenes más famosas y extravagantes del rock.



Unos meses después, The Who repetían actuación en el programa de televisión The Smothers Brothers, con uno de los finales más inesperados y salvajes que se recuerdan.

jueves, 15 de enero de 2009

Citas de cine (4)

Una nueva entrega de citas de cine. Dos películas clásicas, aunque de diferentes épocas. Probablemente, para entender la segunda en toda su dimensión hay que haber visto la película... y debéis hacerlo :) :

"Si tuviese tiempo de pensar en ti posiblemente te despreciaría".
Rick Blaine (Humphrey Bogart)
en "Casablanca" (Michael Curtiz, 1942)
...
"Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir".
Roy Batty (Rutger Hauer)
en "Blade runner" (Ridley Scott, 1982)

miércoles, 14 de enero de 2009

40 años de King Crimson

Con un día de retraso, me gustaría recordar que tal día como ayer, hace 40 años, se produjo el primer ensayo de King Crimson, una de las bandas musicales más innovadoras y experimentales de la historia del rock.

Por aquel entonces, el rock progresivo ya existía aunque aún no había conseguido el éxito masivo que obtuvo más adelante. De hecho, el primer álbum de King Crimson "In the court of the crimson king" (1969) y su gran impacto fueron determinantes para que el rock progresivo pasara de la escena alternativa al consumo de masas.

King Crimson nació a partir de un trío llamado Giles, Giles & Fripp, compuesto por los hermanos Michael y Peter Giles y el guitarrista Robert Fripp. En 1968 publicaron un álbum de escaso éxito y, tras la marcha de Peter, se creó King Crimson. Esta formación la integraban Robert Fripp (guitarra), Greg Lake (bajo y voz), Ian McDonald (teclados y flauta), Michael Giles (batería) y el letrista Peter Sinfield.

De izquierda a derecha: Peter Sinfield, Michael Giles, Ian McDonald, Greg Lake y Robert Fripp

Este quinteto debutó en directo en el verano de 1969 como teloneros de los Rolling Stones en el famoso concierto en Hyde Park. El impacto que causaron entre los asistentes fue enorme, gracias a su innovación instrumental y compositiva. Aquella música marciana, con grandes dosis de improvisación y vituosismo instrumental despertó el interés tanto de los fans como de los músicos asistentes. Durante años, Pete Townsend de The Who mostró su admiración por el primer disco del grupo.

"In the court of the crimson king" se publicó el 10 de octubre y llegó al nº 3 en Reino Unido y al 28 en EEUU, convirtiéndose en uno de los discos del año y en un trabajo clave para entender buena parte de la música de la siguiente década.

Sintiéndose desbordados por un éxito que no esperaban y tras algunos desencuentros, Ian McDonald y Michael Giles decidieron abandonar King Crimson y algunos meses después lo haría Greg Lake para formar, junto a Keith Emerson y Carl Palmer, el famoso trío EL&P (o Emerson, Lake & Palmer).

A partir de entonces, Robert Fripp tomó las riendas del grupo y con diferentes cambios de formación y estilo, disoluciones y resurrecciones, proyectos paralelos y una cierta obsesión por llegar siempre un poco más allá en su compleja concepción de la música, King Crimson ha ido sobreviviendo al paso de los años como una de las bandas más vanguardistas y exigentes de la historia del Rock.

Pinchando aquí abajo en el botón de "play" puedes escuchar el tema que dió título al primer álbum de King Crimson:


Discografía seleccionada:

  • In the Court of the Crimson King (1969)
  • In the Wake of Poseidon (1970)
  • Lizard (1970)
  • Islands (1971)
  • Earthbound (1972, grabado en directo)
  • Larks' Tongues in Aspic (1973)
  • Starless and Bible Black (1974)
  • Red (1974)
  • USA (1975, grabado en directo en 1974)
  • Discipline (1981)
  • Beat (1982)
  • Three of a Perfect Pair (1984)
  • The Great Deceiver (1992, grabado en directo en 1973-1974)
  • B'Boom: Live in Argentina (1995, grabado en directo en 1994)
  • Thrak (1995)
  • Thrakattak (1996, grabado en directo en 1995)
  • Epitaph (1997, grabado en directo en 1969)
  • The Night Watch (1998, grabado en directo en 1973)
  • The ConstruKction of Light (2000)
  • Heavy ConstruKction (2000, grabado en directo)
  • The Power to Believe (2003)

martes, 13 de enero de 2009

Antony and the Johnsons

Antony and the Johnsons es una de las formaciones musicales más brillantes de los últimos años. Liderados por Antony Hegarty, cantante, pianista y compositor, en realidad, The Johnsons es su banda de acompañamiento.

Si hay algo que impacte en su música es la extraordinaria, bella y personalísima voz de Hegarty. La artista Laurie Anderson llegó a decir que "todas las emociones del planeta se encuentran en su increíble voz".

En la actualidad, Antony and the Johnsons está a punto de publicar su tercer álbum "The crying light", después de su debut de 1998 y el exitoso "I am a bird now" (2005). Su discografía se completa con EPs como "I Fell in Love with a Dead Boy", "The Lake" o el más reciente "Another world" y una larga lista de colaboraciones con músicos que van desde Lou Reed a Björk pasando por Marc Almond o su ídolo de adolescencia Boy George.

En mayo actuará en Donostia (día 5), Murcia (día 7) y Madrid (día 11). Será una buena oportunidad para disfrutar de su íntimo y hermoso directo. Antes, el 15 de abril, actuará en Barcelona.





Discografía:

Álbumes:
  • Antony and the Johnsons (1998)
  • I Am a Bird Now (2005)
  • The Crying Light (2009)

EPs y singles:

  • I Fell In Love With A Dead Boy (2001)
  • Calling For Vanished Faces/Virgin Mary 7 (single con Current 93; Edición limitada a 500 copias, 2003)
  • Live at St. Olave's (en directo con Current 93, 2003)
  • The Lake (2004)
  • Hope There's Someone (2004)
  • You Are My Sister (2005)
  • Another World (2008)

Citas de cine (3)

"El odio es un lastre, la vida es demasiado corta para estar siempre cabreado".
Derek Vinyard (Edward Norton)
en "American History X" (Tony Kaye, 1998)
...
"Usted tampoco podría ser una alcachofa, porque incluso las alcachofas tienen corazón".
Amélie Poulain (Audrey Tautou)
en "Amélie" (Jean-Pierre Jeunet, 2001)

viernes, 9 de enero de 2009

Citas de cine (2)

"No me importa tanto el realismo como la verdad de las cosas".
Éric Rohmer (director de cine).
...
"Todo es demasiado largo, excepto la vida y el propio pene".
Billy Wilder (director de cine).

jueves, 8 de enero de 2009

Citas de cine (1)

Inauguro aquí una nueva sección que puede dar mucho de sí y me permitirá actualizar el blog con más frecuencia. Se trata de citas de cine, bien sean extraídas de películas o de declaraciones de los actores y directores que las hacen.

Ahí van un par de ellas, bien distintas:

"No habrá paz en el mundo si no hay justicia...para todos. Y especialmente para los palestinos... porque si Estados Unidos patrocina sólo a una de las partes del conflicto, eso provoca injusticia. ¡Es ridículo, estoy harto de ver a madres israelíes y palestinas llorar por sus hijos muertos! Pero está claro que no hay interés en la paz. Quienes gobiernan el mundo obtienen su poder de la ausencia de paz."
Francis Ford Coppola (director de cine).
...
"Mira nena, aquí hay una cuestión: el concepto es el concepto. Ésa es la cuestión. Por ejemplo, tú eres una mujer con estudios. Yo no objeto nada al respective porque soy liberal. Y no soy de ésos que andan diciendo que sois todas más putas que las gallinas... aunque lo piense. Pero, ¿y el concepto, eh? ¿eh? ¡Amiga! ¡A los hechos me repito!
Pazos (Manuel Manquiña)
en "Airbag" (Juanma Bajo Ulloa, 1997).

miércoles, 7 de enero de 2009

Arrebato, de Iván Zulueta

"Arrebato" pasa por ser la más conocida película maldita del cine español. Se diría que es "la película de culto oficial" de la cinematografía española. A ello contribuyen muchas cosas: la mayoritaria indiferencia con que fue recibida en su estreno, el bajísimo presupuesto con que fue realizada, su caótico rodaje, los múltiples significados que se han dado a su sorprendente historia y su director, el donostiarra Iván Zulueta, auténtica "rara avis" del cine español.

El rodaje de la película se realizó en 1979 y, a pesar de su dificultosa gestación, los resultados dieron de sí una de las películas más apasionantes, enigmáticas, inquietantes y sinceras del cine español.

Las interpretaciones de "Arrebato" son muchas y variadas. Su productor, Augusto M. Torres, asegura que es una apología de las drogas y el suicidio. Otros, como los protagonistas Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More y, sobre todo, Marta Fernández Muro, no están nada de acuerdo con esta afirmación. Iván Zulueta calla. En sus poquísimas apariciones públicas desde el estreno de la película en 1980, prefiere hablar de las anécdotas que rodearon el rodaje y sus pasiones cinematográficas. Las interpretaciones quedan para los demás.

En la película, José Sirgado es un cineasta de serie B que se encuentra desencantado con el cine y con la problemática relación sentimental que mantiene con Ana, actriz drogodependiente que protagoniza sus películas. José recibe un paquete de Pedro P., enigmático personaje apasionado por el cine al que conoció un año antes y del que no volvió a saber. El paquete contiene una cinta de audio y una película que José se dispone a ver. En ellas (película y cinta de audio) Pedro P. cuenta las peripecias que vivió en el último año, desde que José le regaló un temporizador para su cámara de cine. Gracias a él, Pedro encontró el ritmo preciso para las imágenes que rueda. La fascinación que la cámara despierta en Pedro le llevará a un proceso de fagocitación que arrastrará también a José.

Extraña, absorbente, semiexperimental, unas veces incómoda y otras apasionante, "Arrebato" es una experiencia en la que Iván Zulueta se desnudó por completo, narrando con atrevimiento y desparpajo una historia de vampiros modernos oscura, tenebrosa y fascinante. Antonio Gasset dijo de ella que "no es perfecta, ni falta que le hace", mientras que Jaime Chavarri aseguraba que es una obra maestra porque "las obras maestras no son las películas perfectas, sino aquellas que son capaces de trasmitir mayor verdad durante más tiempo". La película tiene algunas deficiencias técnicas, fruto casi siempre de su escaso presupuesto, pero también resulta tan hipnótica y sorprendente que es capaz de arrastrar al espectador mediante una elaboradísima estructura narrativa a través de una historia tan imposible como sorprendentemente inquietante.

"Arrebato" nos recuerda la necesidad de mantener en la edad adulta algo de aquel niño que fuimos, cuando nos dejábamos fascinar por objetos o imágenes aparentemente anodinos (una muñeca de Betty Boop, una colección de cromos de "Las minas del Rey Salomón"…), pero capaces de mantenernos en éxtasis, hipnotizados, con la posibilidad de perder la noción del tiempo y la realidad, arrebatados. José Sirgado se ha hecho adulto y ha perdido esa pasión por las cosas. Ana trata de encontrar ese arrebato a través de la heroína y Pedro P. a través del cine.

Pedro P. es, por tanto, un extravagante y enigmático Peter Pan que viene a salvar a José de su apatía, a recordarle que aún es posible recuperar la pasión y el arrebato propios de la niñez. Él lo ha conseguido al filmarse a sí mismo cuando duerme mientras la cámara lo atrapa poco a poco y, cual vampírica versión de Alicia en el país de las maravillas, invita a José a pasar con él al otro lado del espejo. Sin embargo, el precio por experimentar ese éxtasis (bien sea a través del cine o de la heroína) puede resultar caro. La cuestión es hasta qué punto está dispuesto a llegar cada uno de los personajes… o cada uno de nosotros.

Iván Zulueta llegó demasiado lejos y poco después del estreno de la película hubo de iniciar un proceso de desintoxicación para superar su adicción a la heroína que probablemente le impidió continuar con su carrera cinematográfica, suspendida desde hace casi 30 años.

Y es que, como dice José Sirgado al comienzo de "Arrebato" en una frase involuntariamente premonitoria: "No es a mí a quien le gusta el cine, sino al cine al que le gusto yo".



Iván Zulueta, Festival de Málaga, abril de 2008:


"El recuerdo de la película es fabuloso, como tocar el cielo. El rodaje fue la mezcla de todo lo soñado. Luego, claro, me hubiera gustado trabajar mucho más el guión, haber tenido más tiempo, pero de repente se dieron las condiciones y nos lanzamos, había que terminar aquello como fuese a costa de la planificación (…) La he visto sólo seis veces. He intentado muchas más volver a sentarme frente a ella, pero es imposible. Duele demasiado".



"Llevaba ya mucho tiempo metido en drogas y creía, claro, que lo llevaba bien. Lo aproveché al rodaje pero aquello se desmadró, el rodaje duró mucho más de lo previsto y el montaje se hizo eterno. Cuando terminamos me fui a Ibiza para desconectar y regresé peor. Desde entonces, las situaciones familiares me han obligado a no salir de San Sebastián. Tengo muchos problemas para trabajar, quiero hacer cine pero me cuesta muchísimo pasar de la página en blanco. El problema es que en Euskadi no se distribuye la metadona de manera terapéutica, como en otros sitios, y me resulta difícil encontrarla. Después de Arrebato hice algunos carteles de cine, pero me cuesta demasiado y los últimos que terminé no me gustan".